The Rhythmic Landscape of Bəhlulzadə
In the Farkhad Akhmedov collection, dedicated to the Azerbaijani painting school of the 20th century, the philanthropist and patron Farkhad Akhmedov preserves an authentic selection of works by the painter Səttar Bəhlulzadə. In these, the compositional rhythm, departing from mimetic rendering, reshapes the landscape to suggest the beyond-visible. In the chromatic gesture of Bəhlulzadə, nature becomes rhythm, light, and sound, transcending impression to evoke a symbolic and transcendent dimension.
Theosophy of the 20th and 21st centuries provides a framework where lines, colors, rhythm, and atmospheric depth acquire musical value. The eye listens: painting becomes silent symphony. The artist thus conceives of the landscape as a vision of nature capable of evoking emotions similar to those elicited by music.
Harmonies of Sound Waves
Throughout art history, landscape painting has been more than a simple visual representation: it has embodied a deep affinity with music. From the pastoral scenes of the Renaissance to the orchestrations of light in Romanticism, nature has been translated into rhythm, tone, and emotion. In Germany, between the late 18th and early 19th centuries, a profound interest in nature and landscape developed, encouraged by theories of the sublime, the English garden, and new literary and philosophical movements. This renewed sentiment toward nature deeply influenced all the arts, creating an aesthetic perception in which natural elements were experienced as true works of art—in a kind of “music for the eyes” (Musik für die Augen), a romantic expression coined in the novel Allwill by Friedrich Heinrich Jacobi (1776).
With this phrase, Jacobi attributed to the landscape an aesthetic and spiritual power equal to that of music: nature was no longer perceived merely as an external reality to be represented but as a sensory experience capable of speaking to the soul—a visual symphony. In the musical field, Schubert, Mendelssohn, and Schumann realized this ideal, transforming landscape and nature into sensitive metaphors of their souls and personal experiences. A clearer example of this synesthetic idea is found in the later expression la musique des yeux (“the music of the eyes”), used to describe how a landscape could serve as a theatrical set, capable of evoking emotions with the same intensity as music, but through sight rather than hearing.
This romantic sentiment and its related metaphors found expression in the theosophical conception of art developed between the late 19th and early 20th centuries. Just as Scriabin regarded sound and light as ecstatic vibrations capable of accessing a cosmic unity, so too did Čiurlionis, Kandinsky, and Bəhlulzadə use color and form to evoke spiritual and synesthetic dimensions. Synesthesia becomes, in the theosophical sense, the vehicle through which art transcends matter: in Kandinsky, Čiurlionis, and Bəhlulzadə, color and form vibrate in the language of the invisible.
Səttar Bəhlulzadə: Between Metaphysics of the Landscape and Transcendence
Səttar Bəhlulzadə (Baku, 1909 – Moscow, 1974), Honored Artist of the Soviet Republic of Azerbaijan and People’s Artist in 1963, is considered the founder of Azerbaijani Impressionism, making plein air painting a space of mediation between perception and pictorial construction. Bəhlulzadə’s landscape art, characterized by chromatic harmonies and rhythmic brushwork, reveals a synthesis that merges symbolism and neo-impressionism with expressionist nuances. Like Kandinsky, Bəhlulzadə began with landscape painting. In both, nature becomes a scenography for the ears, where rhythm transforms into oscillatory form.
Rhythm, Color, and Resonance
For Paul Klee, pictorial rhythm follows a spatiotemporal logic similar to that of music. John Berger interprets the landscape as a temporal narrative, while Arnold Berleant and John Elgar highlight how rhythm makes environmental experience immersive and sensorially total. “Every form has an inner sound,” wrote Kandinsky in Concerning the Spiritual in Art, emphasizing the vibrant nature of the visual image capable of evoking deep resonance in the viewer.
In Bəhlulzadə’s en plein air gesture, chromatic matter is animated by metaphysical rhythms, transforming the natural scene into a field of inner resonances. For the artist, the landscape is a place of transmutation where the visible opens up to the invisible. The contours of mountains, the flow of rivers, and the movement of clouds are not rendered merely as topographical elements, but as orchestrated modulations resonating with inner rhythm. The shapes of hills, skies, and rivers become rhythmic and chromatic modulations, eventually transfiguring nature into orchestrated compositions like a perceptual symphony. This dialogue between visual rhythm and emotional tone suggests a synesthetic fusion in which colors seem to carry sounds, nature transforms into joyful form, and rhythm vibrates with a silence one hears with the eyes.
Nella collezione Farkhad Akhmedov dedicata alla scuola pittorica azera del XX secolo, il
filantropo mecenate, fondatore della collezione di pittura azera, custodisce una selezione autentica di opere del pittore Səttar Bəhlulzadə, in cui il ritmo compositivo abbandonando la resa mimetica riformula il paesaggio per suggerire l’oltre – visibile. Nel gesto cromatico del pittore Səttar Bəhlulzadə, la natura si fa ritmo, luce e suono, superando l’impressione fino a evocare una dimensione simbolica e trascendente.
La Teosofia dei XX e XXI secoli offre un quadro dove linee, colori, ritmo e profondità
atmosferica assumono valore musicale. L’occhio ascolta: la pittura diventa sinfonia
silenziosa. L’artista concepisce così il paesaggio che intende esprimere come la visione della
natura possa suscitare emozioni analoghe a quelle evocate dall’ascolto musicale.
Armonie delle onde sonore
Nel corso della storia dell’arte, la pittura di paesaggio è stata più di una semplice
rappresentazione visiva: ha incarnato un’affinità profonda con la musica. Dalle scene
pastorali del Rinascimento alle orchestrazioni di luce del Romanticismo, la natura è stata
tradotta in ritmo, tono, emozione.
La pittura e il paesaggio
In Germania tra la fine del XVIII e l’inizio del XIX secolo, si è sviluppato un profondo interesse per la natura e il paesaggio, favorito dalla diffusione delle teorie del sublime, del giardino all’inglese e da nuove correnti letterarie e filosofiche. Questo rinnovato sentimento verso la natura ha influenzato profondamente tutte le arti creando una percezione estetica in cui gli elementi naturali venivano vissuti come vere e proprie opere d’arte, in una sorta di “musica per gli occhi” (Musik für die Augen); espressione romantica coniata nel romanzo Allwill di Friedrich Heinrich Jacobi (1776).
Con questa espressione, Jacobi attribuisce al paesaggio un potere estetico e spirituale pari a quello della musica: la natura non viene più percepita soltanto come realtà esterna da rappresentare, ma come un’esperienza sensibile capace di parlare all’anima, come una sinfonia visiva.
In campo musicale, furono Schubert, Mendelssohn, e Schumann a realizzare tale ideale,
trasformando il paesaggio e la natura in metafore sensibili della loro anima e delle loro
esperienze personali. La descrizione più chiara di questa idea di sinestesia si trova in un
esempio successivo, con l’espressione “la musique des yeux” (la musica degli occhi)
manifestata per descrivere l’effetto che un paesaggio fosse una scenografia teatrale, capace di evocare emozioni con la stessa intensità della musica, ma attraverso la vista anziché l’udito.
Questo sentimento romantico e le metafore relative hanno trovato espressione nella
concezione teosofica dell’arte sviluppata tra la fine del XIX e l’inizio del XX secolo. Così come per Skrjabin suono e luce erano vibrazioni estatiche capaci di accedere a un’unità cosmica, allo stesso modo Čiurlionis, Kandinsky e Bəhlulzadə operano attraverso colore e forma per evocare dimensioni spirituali e sinestetiche. La sinestesia diventa, in chiave teosofica, il veicolo attraverso cui l’arte trascende la materia: in Kandinsky, Čiurlionis e Bəhlulzadə, colore e forma vibrano nel linguaggio dell’invisibile.
Səttar Bəhlulzadə: Tra Metafisica del Paesaggio e Trascendenza
Səttar Bəhlulzadə (Baku, 1909 – Mosca, 1974) Artista Onorario della Repubblica Sovietica dell’ Azerbaigian, e nel 1963 Artista del Popolo, è considerato il fondatore dell’Impressionismo azero che ha fatto del cosiddetto en plein air uno spazio di mediazione tra percezione e costruzione pittorica.
L’arte paesaggistica di Bəhlulzadə, caratterizzata da armonie cromatiche di pennellata ritmica, rivela una sintesi che fonde elementi di simbolismo e neoimpressionismo con sfumature espressioniste. Come Kandinsky, anche Bəhlulzadə parte dalla pittura di paesaggio. In entrambi, la natura è una scenografia per le orecchie, dove il
ritmo si trasforma in forma di oscillazione.
Ritmo, Colore e Risonanza
Per Paul Klee, il ritmo pittorico segue una logica spazio-temporale simile a quella
musicale. John Berger interpreta il paesaggio come una narrazione temporale, mentre
Arnold Berleant e John Elgar evidenziano come il ritmo renda l’esperienza ambientale
immersiva e sensorialmente totale. “Ogni forma ha un suono interiore”, scrive Kandinsky nello Spirituale nell’arte, sottolineando la natura vibrante dell’immagine visiva in grado di
evocare nell’osservatore una risonanza profonda.
Nel gesto en plein air di Bəhlulzadə, la materia cromatica si anima di ritmi metafisici, trasformando la scena naturale in un campo di risonanze interiori. Il paesaggio, per l’artista, è un luogo di trasmutazione in cui il visibile si apre all’invisibile. I contorni delle montagne, il fluire dei fiumi, e il movimento delle nuvole non sono resi soltanto come elementi topografici, ma come modulazioni orchestrati che risuonano con un ritmo interiore. Le forme delle colline, dei cieli e dei fiumi diventano modulazioni ritmiche e cromatiche, fino a trasfigurare la natura in composizioni orchestrate come una sinfonia percettiva. Questo dialogo tra ritmo visivo e tonalità emotiva suggerisce
una fusione sinestetica in cui i colori sembrano portare con sé suoni, la natura si trasforma in forma allegra, e il ritmo vibra di un silenzio che si ascolta con gli occhi.
